«Marco Scorti peint des paysages de mémoire, des lieux où la présence humaine n'est visible que par quelques traces. Il compose de grands formats en assemblant des toiles plus petites, sorte de carroyage d'arpenteur ou d'archéologue.
Décalages des motifs d'une toile à l'autre, basculement des perspectives, détails plus nets et morceaux plus flous demandent à reconsidérer le tout à l'aune de chacune des parties. La vue d'ensemble, moins ajustée qu'il n'y paraît, constituée du montage de moments remémorés, invite à regarder de plus près pour lire les notes écrites au crayon, et à circuler dans le tableau et d'une toile à l'autre. Le regardeur doit se déplacer dans et devant ces peintures qui font paysage et témoignent du parcours du peintre dans la nature puis dans l'atelier pour recomposer une vue de l'esprit issue de la réalité.»
Claude-Hubert Tatot
Anlässlich der Einzelausstellung «THERE HÄS PROSCIUTTO ON SE WALL» entstand in der Zuger Altstadt das Raumobjekt «The White Cube». Dieses Objekt wurde auf ein spätmittelalterliches Gebäude massgeschneidert.
CKÖ entschied sich, zwischen die alten Mauern neue weisse Ausstellungsräume zu bauen, die gleichzeitig selbst eine Installation sind. Das Kollektiv hatte die Absicht, das Gebäude komplett zu verwandeln und die Wahrnehmung der Räume zu verändern.
Entstanden ist eine begehbare «Raum-in-Raum-Struktur»: ein Rundgang durch das Altstadtgebäude, hinauf durch die neuen weissen Räume und hinunter durch den Umraum zwischen Bestand und «The White Cube». Mäandrierend zog sich das Objekt über die drei Geschosse, lotete deren Raum aus und formte ihn ab.
«The White Cube» entwickelte sich über mehrere Etappen weiter. An den Swiss Art Awards wurde eine Variante des Objektes gezeigt.
Darren Roshier was born in 1990 in Vevey. He finished ECAV art school in 2012 by organising a public exhibition questioning the value of his studies, linked with the fact of self-declaring himself an artist.
He has taken part in several exhibitions and residencies in Switzerland and Europe. Darren Roshier defines his work as "playing with the framework”. Questioning the link between different dualities: failure and success, language and form, authentic and copy etc. He playfully develops a voluntarily unclear position in the world of art.
In a wider field, he is also interested in the whole process of the creation of culture. He was elected as a member of Vevey's town council in 2011, a role in which he is mostly involved in cultural commissions. In 2012, he joined the RATS collective and then organised and curated several exhibitions and residencies.
Randosh Derierr
Claudia Comte finds her inspiration in nature, architecture and popular culture, her extensive travels providing her with a culturally diverse outlook on all these subjects that she communicates through her anthropomorphic sculptures. The chainsaw being her tool of choice, Comte vigorously commences the sculpting process, yet delicately finishes by carefully smoothing each work into a haptic form resembling a mix between cartoons and a work by Brancusi.
Site-specificity being of great importance to Comte, she creates environments where wall paintings highlight her sculptural work. Not limiting herself to one specific medium, she combines paintings, sculpture and video to create an all-encompassing experience in which to discover her work.Caroline Lommaert
Die Arbeit «vir varius inanitas» besteht aus zwei sich ergänzenden Komponenten. Der erste Teil «vir varius» wurde von Bianca Ott gemeinsam mit Jens Winkler (*1968, aus Biel-Benken) im Hotel Drachenburg in Gottlieben TG fotografiert.
Die Titel entsprechen den Zimmernummern, in denen die Protagonisten inszeniert wurden.
Insgesamt wurden acht Männer inszeniert und fotografiert. Die Bilder wurden im März 2014 am «Hecht an der Grenze» als Fotojournal ausgestellt. Näheres zum Konzept und der Umsetzung des Projektes können Sie der Webseite der Künstlerin entnehmen.
Die vierte Fotografie aus dem zweiten Teil «inanitas» entstand auf einer Reise durch den Balkan Anfang Mai 2014 (genauer in Hrvatska Kostajnica/Kroatien) im Hotel Central. Die Zahlen entsprechen den Koordinaten des Ortes, an dem die Aufnahme gemacht wurde. Tragischerweise wurde auch dieses Dorf Opfer der Überschwemmungen, verursacht durch das Balkantief Yvette, die Südosteuropa und Ostmitteleuropa Mitte Mai 2014 heimgesucht haben. Somit handelt es sich bei diesem Bild um eine Momentaufnahme einer Situation, die nun so nicht mehr vorzufinden ist
Emilie Ding sait bien que les artistes doivent se confronter à des espaces sur lesquels ils n'ont que peu de prise. C'est pourquoi, depuis toujours, elle s'empare de l'architecture: elle amplifie ses images, dilate ses perspectives, détourne ses techniques et se joue de ses matériaux.
L'artiste nous guide vers une perception densifiée de nos espaces communs. C'est dans l'usage de ceux-ci qu'est, pour elle, le siège même d'une forme de radicalité. Elle connaît l'histoire des signes et structures dont elle se saisit. Son ambition n'est pas de les disséquer froidement, mais bien plus de souligner l'omniprésence de champs de forces en jeu. L'artiste choisit ainsi des points de vue vertigineux, des répétitions obsédantes
de motifs ou le décalage inquiétant d'éléments constructifs pour produire une architecture démembrée.
Samuel Gross
"What might at first strike a viewer in Thomas Moor's work is the apparent casualness and charm enveloping his work. Effortless-looking wall paintings, photographsy and an old fashioned device instill a calm sense of déjà-vu in the viewers, who do not find themselves immediately confronted with the wildly unfamiliar. Formal accessibility is one of the important aspects in viewing and above all experiencing Thomas Moor's work, and is part of what the artist himself describes as three points of relevance in the decision-making that underpins his working process - namely the aspects of formal accessibility, charm and offence.
This setting could be seen as a kind of performance event as the sense of critique or offence usually follows the previously disarming charm, therefore involving the viewer in a time-based experience. The artist reveals himself as part of the process and often enacts himself in the work in a joyful yet fragile manner. Although the language used may be light and reassuring, what is felt in conclusion is often a more complex, offensive and uncomfortable.”
Jacky Poloni, in Saalblatt
zur Präsentation an der Liste19
Common Internet imagery and the simplest tools of popular image processing programs are used to produce digital sketches, which are then transferred onto canvas with DIY techniques. Printed A3-sized stencils are cut out by hand and glued to the canvas, then painted over and washed away after the paint layer has dried.
The subject matters are elements of our social interactions as well as the habits of our daily digital routines. They hover between naïve dilettantism and politically engaging propositions. For example, what happens when you refurbish your bedroom, and place two double beds side by side? Can a statement become a political agenda and be the source of our future crimes? How does the world look like from the standpoint of the middle class?
The installation "Gallery Bells” by Emanuel Rossetti, whose work draws on collaborations and exhibition design, is as visually reserved as it is aurally pervasive. Several connected rings sound in a zig-zagged sequence, in a reference to a 1950s work by artist Atsuko Tanaka, while a text by artist Georgia Sagri is mounted where usually, in art fairs, the name of the exhibiting gallery would appear. The work evokes a different, imaginary room and thus probes the space's function. This polarising work compels through its versatility and the economical way in which it challenges the categories and rules of the art market.
Der Künstler Jean-Luc Manz war von 2007 bis 2014 Mitglied der Eidgenössischen Kunstkommission (EKK) und hat nachhaltig dazu beigetragen, die Schweizer Kunstlandschaft der letzten Jahre zu gestalten. Er beschreibt, wie es ist, andere Kunstschaffende zu beurteilen und erzählt uns nebenbei auch einige Anekdoten.
ASYNCHRON I-X, (ab 2013) behandelt die Geschichte der Nukleartechnik. Jede Episode behandelt ein konkretes Ereignis oder Nicht-Ereignis und umfasst eigene Bilder und vorgefundenes Material. Sie untersucht unter anderem die jeweiligen Bildwelten auf ihren didaktischen oder ideologischen Einsatz.
Asynchron I: Rote Mirage S (1958)
Zwei Bilder einer vergrösserten Postkarte von Schweizer Mirage Kampfjets. Der Pilot der einen schaut in die Kamera des Co-Piloten der zweiten Mirage, einer zweisitzigen.
Mirage, oder der Traum, mit der Bombe nach Moskau zu fliegen. Um die Besetzung Europas durch die Sowjetunion zu verhindern, wollte die Schweizer Militärführung trotz Neutralität mit schnellen Mirage-Kampfjets präventive Atombomben bis über Moskau abwerfen können.
Asynchron III: Zwentendorf - The Missing 20 Minutes, (1978)
In Zwentendorf/Österreich wurde 1978 ein Atomkraftwerk fertiggestellt, durfte aber nie in Betrieb genommen werden. Die Regierung Kreisky organisierte eine Volksabstimmung, doch 50,47 % verweigerten die Betriebsbewilligung. Zur Inbetriebnahme fehlten damals nur etwa 20 Minuten, solange wie es dauert, um die Brennstäbe in den Reaktor abzusenken. 35 Jahre später vollendet eine computergesteuerte Kamera, montiert auf der Absenkvorrichtung für Brennstäbe, diese fehlenden 20 Minuten - eine Reise zum Ort der verhinderten Kernspaltung.
Während der Fahrt ins Reaktorinnere schwenkte die Kamera horizontal um 90° nach unten und vertikal je 45° nach links und rechts. Dabei nahm sie alle 4 Sekunden ein Bild auf, total 289. Diese wurden anschliessend chronologisch aneinandergereiht.
L'artiste Jean-Luc Manz a fait partie de la Commission fédérale d'art (CFA) de 2007 à 2014, contribuant ainsi à dessiner le paysage artistique suisse de ces dernières années. Il raconte ce que juger ses pairs signifie pour lui et livre au passage quelques anecdotes insoupçonnées.
Der Titel «Die Welt ist Ich» formuliert bereits ein Grundthema in Selina Baumanns Arbeit: Eine präzise Abgrenzung zwischen dem Selbst und der Welt ist diffizil, da jeder Mensch in stetem Austausch mit seiner Umgebung begriffen ist und deshalb immer aufs Neue um seine Identität ringen muss.
Dieser fliessende Übergang zwischen Innen und Aussen findet sich auch in geometrischen Objekten wie der Kleinschen Flasche wieder, bei der eine einzige Fläche mittels einer Öffnung und einer Selbstdurchdringung einen plastischen Körper bildet. Baumann überträgt dieses abstrakte Konzept in eine Gitterstruktur aus unglasiertem Ton, deren skelettartige Form einerseits organisch ist, andererseits aber auch an computergenerierte Visualisierungen erinnert. In verkümmerten Torsi, denen verschlungene Gedärme entwachsen, nimmt sie das Thema der Durchlässigkeit von Körpern wieder auf.
Sarah Wiesendanger
L'artista Jean-Luc Manz ha fatto parte della Commissione federale d'arte (CFA) dal 2007 al 2014 e ha contribuito così a tracciare il paesaggio artistico svizzero più recente. Ci ha spiegato che cosa ha significato per lui giudicare i colleghi e ci ha fornito qualche aneddoto inaspettato.
Das Wort «Moment» stammt vom lateinischen «momentum», was soviel bedeutet wie: Bewegung, Grund oder «entscheidender» Augenblick.
Ein abgenutztes Sofa wird im Ausstellungsraum bearbeitet. Die Standfläche des Sofas wird geändert, verschiedene Flächen und Volumen werden abgetragen, gedreht und umgestülpt. Inneres und Äusseres werden umgekehrt. Das Sofa verliert seine alltägliche Funktion, stattdessen treten die Materialien in den Vordergrund. Eine Suche nach dem entscheidenden Augenblick, in dem das Sofa zur Skulptur wird.
‘Delivery for Mr. Assange' is a 32-hour live mail art piece. In January 2013, !Mediengruppe Bitnik sent Wikileaks founder Julian Assange a parcel containing a camera. Through a hole in the parcel, the camera documented and live-tweeted its journey through the postal system, letting anyone online follow the parcel's status in real time.
The parcel was intended as a system test, inserted into a highly tense diplomatic crisis. Would the parcel reach its intended destination, or would it be removed from the postal system?
Julian Assange has been living at the centre of a diplomatic crisis, holed up in the Ecuadorian embassy in London, since June 2012. Although he was granted political asylum by Ecuador in August 2012, he cannot leave the embassy premises as they are surrounded by UK police threatening to arrest him on sight.
«Depuis quelques années, mon travail artistique prend principalement racine dans les espaces domestiques. J'aime penser que l'organisation des objets et la perpétuelle réinvention que chacun fait de son espace privé invoque une créativité proche de celle que j'exploite dans mes expositions. Ainsi, je puise évidemment mon inspiration dans le monde de l'art, mais aussi dans les magasins et leurs produits, les brocantes et leurs objets oubliés, les espaces domestiques et leurs bibelots, la rue et ses travaux, la nature et ses formes, les poubelles et leurs déchets.»
The intellectual implications of material processes are central to Vanessa Billy's work. Not only is she concerned with the factual: the extraction of raw materials, the production and use of energy and its resultant immutable waste products, but in addition; how these chain reactions shape human thought and activity. Her work, uses a wide variety of forms and materials, from mass-produced industrial goods at the end of their production cycle to the hand-modelled and cast in bronze. Batteries and vitamin pills are suspended in poured resin, slices of processed meat are, scanned and printed as stickers, and oil drums made from blown glass contain their precious cargo. All form a network of mental and physical associations that articulate something of the indeterminate condition of the term "natural”.
Sous des dehors méthodiques et rigoureux, l'ensemble «Kids who eat dirt are called kids. But when adults eat dirt, it's called geophagy» se déploie de manière de plus en plus compulsive, sous une forme cyclique où est ingéré, digéré et excrété un assemblage des références de l'artiste - celles issues d'autres artistes, du cinéma, de l'ethnologie, ou encore de ses propres pièces. Il est question de métabolisme, de la transformation du lait en urine (en référence à Aviator de Scorsese): opération alchimique où l'organique, le sale, la dégradation, se substituent à l'idéal de pureté de la transmutation du plomb en or. Tell Barbara that it is gold. Dans l'environnement de plus en plus psychotique qui s'établit, l'art émerge au gré des convulsions comme un pica, tel la White dirt de Géorgie à l'origine du projet: l'ingestion pathologique et convulsive d'un élément sans apport nutritif, un encombrement obsessionnel pétri de croyances.
Danaé Panchaud
«Trois» est peut-être un survivant parmi tant d'autres. Un amas de jolis détritus, de restes croustillants accumulés lentement, au fil des ans. Le premier est une conséquence de l'autre, le suivant l'effet, pour finalement terminer par sa cause.
Ils sont toujours trois, même à l'intérieur.
Un holisme sur la tragédie. Un rapport entre un langage lointain, presque incertain, et des personnages enveloppes, des corps réceptacles. Une chair mentale. Une petite apocalypse des êtres, un néant aspirant. Une mise à nu des choses.
Une légende qui fait trembler les murs de l'existence humaine, racontée avec un onirisme absurde. Une confrontation avec un lieu devenu en très peu de temps le centre d'attention d'une population écervelée. Bugarach comme île de survie durant six petits mois. Une population aux abois.
Mercure et Jéricho, les deux intrépides béats. Seuls, mais toujours ensemble, quoi qu'il advienne. Perdus et impitoyablement à la recherche de quelque chose. Ils tournent, possiblement en rond, mais certainement dans plusieurs cercles différents. Un chaos organisé. Une étrange et séduisante spirale. Trois n'est pas encore quantique, mais il aspire à l'être.
Vier Zeichnungen zeigen die jeweils sechs grössten, gleich grossen Kreise. Je nach Arrangement können grössere oder kleinere Kreise erzielt werden. Diese Grössenunterschiede sind in der Theorie einfacher überprüfbar als von blossem Auge.
Die vier Zeichnungen sind in einer konischen Ausstellungsarchitektur präsentiert. Wollen wir alle Zeichnungen sehen, müssen wir einige Schritte gehen. Wenn wir die Zeichnungen miteinander vergleichen wollen, müssen wir uns zu einem grossen Teil erinnern können.
Matthias Liechti beschäftigt sich in seinen Arbeiten mit der Vorstellung einer allgemeingültigen Richtigkeit. Durch die Thematisierung konventioneller Verhaltensmuster stellt er die Notwendigkeit ebendieser Richtigkeit in Frage.
Daniel V. Kellers's works frequently refer to architectural elements and materials, albeit extracted from their original context, and mainly seem to question their appearance. Deriving from an ongoing investigation into the urban, man-made environment, Keller accumulates the generic visual language of our contemporary constructed surroundings. The tension between urban planning and organically grown landscapes becomes apparent in his works, which infallibly copy techniques used for outdoor design and imitate natural structures.
The approach to the surface is of great importance in Daniel V. Keller's work. Meticulously covering his sculptures in bathroom tiles, for instance, he draws attention to the façade of residential environments, extracting day-to-day materials their normal setting like a freeze frame. He invites the viewer to take a peek behind the scenes by turning materials inside-out, revealing their artificiality, preserving their characteristics and making them inert.
Dance, even more than drama, indulges in the eternal cult of youth. Deliberately choosing to represent this art form, Seline Baumgartner offers a contrast to this delusion in her 2014 video work Nothing Else. The dancers in the video range between 50 and 70 years of age, and have all danced for Merce Cunningham, Yvonne Rainer, or Trisha Brown. Their choreography draws on each individual dancer's physical memories of their past performances. The task of identically repeating previous activities manifests the limits of memory and physicality of the past, while offering new possibilities for different forms of movement in the present. The second video by the artist made in collaboration with older dancers, Nothing Else seeks to negate forms of dance that conventionally link criteria such as elegance, grace and dignity with flexibility and vigour.
Collaboration with the dancers Meg Harper, Jon Kinzel, Keith Sabado and Vicky Shick.
Franz Krähenbühl
Schweizer Vermittlungspreis Prix suisse de médiation d'art Premio svizzero di mediazione
für Kunst und Architektur
Film - as an artistic discipline and not a medium - has always played an essential role in my work and interests, in the art context as well as later in cinema. It is constantly there, in a woven fabric of histories and texts, adopting emancipated forms that convey its subjects towards new experiential or intellectual fields, tirelessly. For me, it relates to a certain understanding of narration and temporalities, and it may take literature as an inspiration, with (to take a recent example) texts by writers such as Clarice Lispector, who subtly explores the dynamics of human interactions - from the female point of view in particular -, artist Adrian Piper narrating an intellectually and sexually tense encounter with art historian Pontus Hulten, or Pasolini and his "Qui je suis”, a very personal text resembling an answer to a fake or real interview. My work revolves around personal approaches to material and stories, documentary practices leaning towards fiction, film archives and photographs, sound and, image.
